Arte é algo completamente subjetivo. Enquanto alguns afirmam serem os guardiões da arte de alto nível, outros acreditam que diferentes tipos de criações podem ser consideradas artes, se de alguma forma tocam o seu público. É o caso da porquinha PIGcasso.

O texto de hoje fala sobre um tipo de arte um tanto excêntrica, mas valiosa. Estamos falando de uma porca que vive em um santuário, conhecida por pintar quadros abstratos, e que já faturou milhões com isso.

A porca em questão mora na África do Sul, e ficou bastante conhecida recentemente por pintar quadros de arte abstratas avaliados em até US$ 26 mil (R$ 123 mil, na cotação atual). Ao todo, a porquinha já faturou mais de US$ 1 milhão com o seu trabalho.

Então, quer saber mais sobre a Pigcasso e suas criações? É só conferir o texto completo a seguir.

Boa leitura!

Conheça Pigcasso, a porca pintora que vende milhões em quadros

Como explicamos, a porquinha Pigcasso é conhecida por suas obras de arte no estilo abstrato. Contudo, como foi que ela aprendeu a pintar em primeiro lugar?

De acordo com sua dona e cuidadora, Joanne Lefson, para fazer as pinturas a porca segura um pincel modificado na boca, escolhendo as cores e os movimentos que deseja. Lefson inclusive escreveu um livro sobre as habilidades do animal: “Pigcasso: A porca artista de 1 milhão de dólares que salvou o santuário”.

Isso porque Pigcasso vive em um santuário de animais, e todo o dinheiro recebido com suas obras é revertido para a causa animal, ajudando financeiramente com comida, salário dos funcionários, conta de veterinário e outros custos do santuário.

A porquinha artista vive lá desde 2016, quando foi resgatada por sua cuidadora.

Como Pigcasso começou a pintar?

Em entrevista ao jornal The Daily Mail, Lefson conta como encontrou a porquinha Pigcasso, e qual foi o motivo do nome. De acordo com ela, entre todos os brinquedos possíveis, Pigcasso acabou escolhendo justamente um pincel para brincar, e logo o colocou na boca, como se já quisesse se tornar uma artista.

Por fim, a cuidadora também afirma que, sempre que a porca acertava o uso do pincel, era recompensada com alguma comida que gostava, como uvas, suas favoritas. Com o tempo, ela foi ficando cada vez mais experiente, e hoje produz quadros valiosos, que já foram adquiridos até por celebridades.

Pessoas como o ator Ed Westwick, conhecido por interpretar Chuck na série Gossip Girl, e o tenista Rafael Nadal, estão na lista dos fãs de Pigcasso, e também adquiriram obras da porquinha genial.

E aí, o que você achou dessa notícia? Acredita que a arte pode vir dos lugares mais improváveis? Para acompanhar outros textos como esse, continue de olho nos conteúdos do Seja Criativo.

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Beleza é algo super subjetivo, certo? Afinal, o que é bonito para mim, pode não ser bonito para você. Dito isso, não dá para negar que existe sim um certo padrão de beleza socialmente aceito. E ele existe em cada país do mundo.

Pensando nisso, um usuário do Reddit teve a ideia de gerar o rosto do homem mais bonito de cada país, utilizando o quê? Acertou, Inteligência Artificial. Mais especificamente, com uma ferramenta chamada Midjourney.

Como funciona o Midjourney?

De forma bastante resumida, o Midjourney é um gerador de texto para imagem gerido por inteligência artificial. Em comparação com outra ferramenta conhecida, o DALLE, sua vantagem é renderizar imagens de uma forma, digamos, mais realista.

Além disso, o Midjourney é mais voltado para a reprodução baseada em diferentes estilos de artes, tendo assim uma pegada mais criativa.

Para fazer uso dele, basta se inscrever no site, entrar no servidor do Discord e começar a utilizar o Midjourney por meio dos chamados “pronts” de comando.

O legal é que, como tudo acontece dentro do Discord, você também pode compartilhar suas ideias e criações com outras pessoas.

Beleza global: Inteligência Artificial cria homem mais bonito de cada país

Agora, vamos falar sobre o tópico desse texto. Ao todo, o usuário do Reddit em questão criou 20 homens diferentes, com o uso da famosa plataforma Midjourney. Cada um com traços e característicos próprios da sua região.

A parte legal é que, entre os países escolhidos, estão alguns não muito conhecidos ou explorados por nós, brasileiros, como: Uganda, Síria, Barbados, Cazaquistão, Bielorússia, República Centro-Africana e Coreia do Norte.

E aí, como será que é a cara da beleza em cada um desses lugares? A boa notícia é que você não precisa imaginar, pode conferir o resultado aqui mesmo, neste artigo.

Então, veja a seguir como seria o homem mais bonito de cada país de acordo com a IA. 

Síria

Argélia

Índia

Beleza grega – Grécia

México

República Dominicana

República Centro-Africana

Islândia

Japão

Suiça

A beleza no Laos

Uganda

t

Líbano

Beleza americana: Estados Unidos

Egito

Coreia do Norte (República Popular da Coreia)

A beleza na Bielorrússia

Cazaquistão

Barbados

Bahrein, Oriente Médio

Conclusão

E então, o que você achou da beleza dos homens de cada país? Nos comentários da postagem original, além de piadas sobre os homens parecerem “personagens da Disney”, vários usuários acabaram se identificando com os representantes de seus países.

Obviamente, também existem críticas sobre padrões de beleza e como a Inteligência Artificial também faz uso deste padrão.

Independentemente disso, é legal conferir o resultado. Se você nunca ouviu falar de algum desses países antes, quem sabe não seja a hora de dar uma pesquisada sobre a sua história?

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A Inteligência Artificial já existe há algum tempo, mas recentemente têm tido destaque em rodas de conversa. Inclusive com participação de pessoas em podcasts apenas para falar do assunto, como aconteceu recentemente com o episódio do Podpah, com Felipe Castanhari e Cauê Moura, que deu o que falar.

Em resumo: a Inteligência Artificial vem fazendo coisas impressionantes, principalmente na área da criação. As fotos do papa geradas por IA com uma jaqueta puffer pra lá de estilosa é um exemplo disso.

Mas neste texto nosso foco é em um artista brasileiro, chamado Hidreley Diao, que criou recentemente diversas imagens de figuras históricas com a aparência que poderiam ter hoje, nos dias atuais.

De Mona Lisa ao imperadora da França, Napoleão Bonaporte. Então, confira a seguir o resultado!

Veja como seriam figuras históricas nos dias de hoje, geradas por Inteligência Artificial

Primeiramente, vale dizer que Hidreley Diao, artista de São Paulo, pensou este projeto com o intuito de mostrar como essas pessoas seriam no século 21. Ou seja, que aparência teriam se vivessem na nossa modernidade, com roupas da nossa época.

“Geralmente, quando você pensa em figuras históricas, já está gravado na nossa cabeça a imagem pronta, aquela imagem que só tem ela. Mona Lisa, por exemplo, só tem aquela pintura, o Van Gogh (Vincent, pintor holandês do final do século 19), que só tem os autorretratos… Então, pensei em trazê-los para as pessoas verem como eles seriam se fossem gente como a gente”, explicou o artista em entrevista ao jornal Estadão.

Agora, sem mais delongas, confira os resultados desse experimento!

Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci foi um dos mais renomados artistas, cientistas e inventores da história. Ele nasceu em 15 de abril de 1452 em Vinci, na Itália, e faleceu em 2 de maio de 1519 em Amboise, na França.

Pintor da famosa obra Mona Lisa, Da Vinci foi um homem extremamente talentoso e versátil, destacando-se em várias áreas do conhecimento.

Joana d’Arc

Joana d’Arc, também conhecida como Jeanne d’Arc, foi uma figura histórica importante durante a Guerra dos Cem Anos entre a França e a Inglaterra. Nascida em Domrémy, França, em 6 de janeiro de 1412, acabou falecendo em 30 de maio de 1431.

Joana alegava receber visões divinas, e foi responsável aos 17 anos por liderar um exército para levantar o cerco da cidade de Orléans, na época sob o domínio inglês.

E aí, o que achou da Joana gerada por Inteligência Artificial?

Isaac Newton

Isaac Newton é um dos físicos mais famosos de todos os tempos. Nascido em dezembro de 1642, na Inglaterra, e falecido em março de 1727, em Kensington, Londres, ele é lembrado até hoje por conta de suas contribuições para a física e a matemática. Já ouviu falar nas famosas Leis de Newton? Pois é.

Cleópatra

Rainha do Egito, Cleópatra (69 – 30 a. C.) é uma figura histórica bastante conhecida. Mas como ela seria em pleno 2023?

O resultado está aí: esse retrato feito por Inteligência Artificial até que é digno de uma soberana da dinastia dos Ptolomeus, não acha?

Johann Sebastian Bach

Se a sua praia é música clássica, você provavelmente já ouviu falar de Bach. Nascido em março de 1685, na Alemanha, Bach é hoje considerado um dos maiores musicistas de todos os tempos.

Entre outras conquistas, ele exerceu um papel significativo no desenvolvimento da música barroca.

Benjamin Franklin

Se você já teve a sorte de segurar uma nota de 100 dólares, deve ter visto esse rostinho estampado nela. (Não o da esquerda, o da direita).

Franklin nasceu em 1706 e foi um importante diplomata, escritor, jornalista, político e cientista norte-americano. Entre seus feitos, assinou três documentos principais na criação dos Estados Unidos: a Declaração da Independência, o Tratado de Paz e a Constituição.

Mona Lisa

Já pensou como seria a mocinha de sorriso enigmático em pleno 2023? Será que o sorriso gerado por Inteligência Artificial faz juz à obra?

Afinal, a Mona Lisa é um dos quadros mais famosos do mundo, pintado por outro destaque da nossa lista, Leonardo da Vinci.

A obra foi produzida no século XVI, e hoje pode ser encontrada no famoso Museu do Louvre, em Paris.

Napoleão

Você sabia que Napoleão Bonaparte é um dos motivos pelos quais a família real portuguesa acabou parando no Brasil? 

Nascido em 1769, líder militar e político, ele desempenhou um papel crucial na história da Europa e do mundo, subindo ao poder durante a Revolução Francesa e, posteriormente, tornando-se o líder da França.

George Washington

Por fim, a última figura da nossa lista gerada por Inteligência Artificial é o político George Washington. Além de ser o primeiro presidente dos Estados Unidos, seu nome também foi dado em homenagem à capital do país. Lá onde fica a Casa Branca. Chique, né?

Conclusão

E aí, o que achou desses personagens históricos gerados por Inteligência Artificial? Já tem o seu preferido? Siga o perfil do artista para acompanhar mais desse trabalho!

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Cultura pop: fonte de inspiração criativa

A cultura pop é uma das maiores fontes de inspiração criativa que temos atualmente. Ela está presente em todos os lugares, seja na música, nos filmes, nas séries, nos livros, nos games e até mesmo nas redes sociais. E o melhor de tudo é que a cultura pop é para todos, basta escolhermos algo que gostamos e podemos nos inspirar para criar coisas incríveis.

Neste artigo, vamos explorar como a cultura pop pode inspirar você a ser mais criativo, mergulhando em seu universo repleto de personagens e histórias que podem estimular a sua imaginação e transformar ideias em realidade.

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Mergulhe no universo da cultura pop e crie sem limites

A cultura pop é um universo vasto e cheio de possibilidades. Ela oferece uma infinidade de personagens, histórias, cenários e elementos que podem ser usados para criar novas ideias e projetos. Tudo isso pode ser explorado sem limites, basta deixar a imaginação fluir.

Ao mergulhar no universo da cultura pop, você pode se inspirar em personagens queridos, como os super-heróis da Marvel ou os personagens da Disney, por exemplo. Ou ainda, pode se inspirar em histórias incríveis, como Game of Thrones ou Stranger Things, e usar essas referências para criar algo novo e único.

Como personagens e histórias podem estimular sua criatividade

Os personagens e as histórias da cultura pop são uma fonte inesgotável de inspiração criativa. Eles possuem características únicas e complexas, o que faz com que sejam facilmente identificáveis e memoráveis.

Ao se inspirar nesses personagens e histórias, você pode criar novas narrativas, desenvolver novos personagens e até mesmo inserir elementos de outras histórias em seus projetos. Tudo isso pode estimular a sua criatividade e ajudá-lo a criar algo surpreendente.

Explore a cultura pop e transforme ideias em realidade

A cultura pop pode ser uma excelente ferramenta para transformar ideias em realidade. Ao se inspirar em personagens e histórias, você pode desenvolver projetos criativos e inovadores que chamem a atenção das pessoas.

Se você é um escritor, pode criar uma história inspirada em um personagem da cultura pop. Se você é um ilustrador, pode criar uma arte baseada em um cenário de um filme ou série. Se você é um designer, pode criar um produto inspirado em algum elemento da cultura pop.

Em resumo, a cultura pop é uma fonte inesgotável de inspiração criativa que pode ajudá-lo a desenvolver ideias e projetos incríveis. Basta mergulhar em seu universo, explorar suas histórias e personagens, e deixar a imaginação fluir.

Portanto, não tenha medo de se inspirar na cultura pop e explorar suas possibilidades. Use-a como uma ferramenta para desenvolver sua criatividade e transformar suas ideias em realidade. Com certeza, você irá se surpreender com o que pode criar!

Sobre a cultura pop

A cultura pop, abreviação de cultura popular, refere-se a elementos culturais que são amplamente difundidos, apreciados e consumidos pela sociedade. Ela abrange uma variedade de formas de entretenimento, como música, cinema, televisão, literatura, quadrinhos, videogames, moda e muito mais. A cultura pop é geralmente caracterizada por ser acessível e de fácil consumo, muitas vezes refletindo os interesses e preferências da maioria das pessoas em determinado período.

No Brasil, a cultura pop tem uma presença significativa e é influenciada tanto por produções nacionais quanto por elementos da cultura pop internacional. Alguns exemplos de fenômenos da cultura pop no Brasil incluem:

1. Música: O Brasil é conhecido por sua rica diversidade musical, com gêneros como samba, bossa nova, MPB (Música Popular Brasileira), funk carioca e diversos estilos regionais. Artistas populares como Roberto Carlos, Ivete Sangalo, Anitta e muitos outros têm grande influência na cultura pop brasileira.
2. Televisão: As telenovelas brasileiras são um dos maiores destaques da cultura pop do país. Produções como “Avenida Brasil”, “A Força do Querer” e “O Clone” se tornaram fenômenos de audiência e geraram expressões populares e referências amplamente reconhecidas. Além disso, programas de entretenimento, reality shows e séries internacionais também são populares no Brasil.
3. Cinema: O cinema brasileiro tem ganhado destaque tanto em produções nacionais quanto em festivais internacionais. Filmes como “Cidade de Deus”, “Central do Brasil” e “Tropa de Elite” conquistaram reconhecimento mundial. Além disso, o Brasil também é um grande consumidor de filmes de Hollywood e outras produções internacionais.
4. Quadrinhos: Embora a indústria de quadrinhos brasileira seja menor em comparação com os Estados Unidos, personagens como a Turma da Mônica, criada por Mauricio de Sousa, têm grande popularidade no país. Além disso, a cultura pop internacional dos quadrinhos, com personagens como Batman, Homem-Aranha e Superman, também tem uma base de fãs sólida no Brasil.
5. Redes sociais e influenciadores: As redes sociais têm desempenhado um papel cada vez mais importante na disseminação da cultura pop. Influenciadores digitais brasileiros ganharam enorme popularidade e se tornaram referências em diversos nichos, como moda, maquiagem, comédia, viagens, entre outros.

Esses são apenas alguns exemplos da cultura pop no Brasil. A cultura pop está em constante evolução e é moldada pelos gostos e tendências da sociedade, refletindo as mudanças e influências do mundo contemporâneo.

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Conheça técnica Stop Motion de uma vez por todas!

Stop motion é uma técnica de animação que consiste em criar a ilusão de movimento a partir da manipulação de objetos ou personagens estáticos, fotografando-os quadro a quadro e, em seguida, reproduzindo esses quadros em sequência para criar a sensação de movimento.

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Essa técnica é muito utilizada em filmes de animação, especialmente em produções de baixo orçamento ou em filmes que buscam um estilo artístico diferenciado. Para criar um filme em stop motion, é necessário fotografar cada quadro individualmente, movendo os objetos ou personagens em pequenos incrementos a cada foto, para que, quando os quadros sejam reproduzidos em sequência, o movimento pareça fluido e natural.

O stop motion pode ser feito com diversos tipos de materiais, como argila, papel, tecido, madeira, entre outros, e a técnica permite uma grande variedade de estilos visuais e narrativos.

O processo de criação de um filme stop motion envolve várias etapas, que incluem:

1. Ideia e planejamento: antes de começar a filmar, é importante ter uma ideia clara do que se quer criar e planejar a história, os personagens, os cenários e todos os outros elementos que serão necessários para a produção.
2. Criação dos personagens e cenários: os personagens, cenários e objetos do filme são criados em miniatura, geralmente usando materiais como argila, papel, tecido, madeira, entre outros.
3. Gravação das cenas: as cenas são filmadas quadro a quadro, o que significa que o objeto ou personagem é movido ligeiramente entre cada quadro para criar a ilusão de movimento. Para facilitar esse processo, muitos animadores usam uma câmera digital com um tripé para manter a posição constante.
4. Edição e pós-produção: depois que todas as cenas foram filmadas, é hora de editar e montar o filme. Isso geralmente envolve a seleção dos melhores quadros de cada cena, a adição de trilha sonora e efeitos sonoros, a criação de títulos e créditos, entre outras coisas.

Embora seja uma técnica trabalhosa e demorada, o stop motion pode ser usado para criar filmes muito criativos e únicos, que se destacam por seu estilo visual e narrativo.

Existem muitos filmes famosos que usam a técnica de stop motion. Alguns exemplos são:

1. “A Fuga das Galinhas” (2000): um filme de animação sobre um grupo de galinhas que tentam escapar de uma fazenda onde são criadas para produzir ovos.
2. “O Estranho Mundo de Jack” (1993): um clássico da animação stop motion, dirigido por Tim Burton, que conta a história de Jack Skellington, o rei do Halloween, que descobre a Cidade do Natal e decide sequestrar o Papai Noel.
3. “Coraline e o Mundo Secreto” (2009): um filme de animação baseado no livro de Neil Gaiman, sobre uma menina que descobre um mundo paralelo que parece ser melhor do que o seu próprio mundo, mas que esconde perigos terríveis.
4. “A Noiva Cadáver” (2005): outro filme  dirigido por Tim Burton, que conta a história de um jovem que se casa com uma noiva cadáver e acaba em uma aventura no mundo dos mortos.
5. “Kubo e as Cordas Mágicas” (2016): mistura elementos da mitologia japonesa com uma história original sobre um jovem músico que deve enfrentar demônios e monstros para salvar sua família.

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Em uma pequena cidade no estado de Mato Grosso do Sul, um ponto de ônibus abandonado ganhou uma nova vida graças à criatividade de dois artistas plásticos.

Com muito talento e imaginação, a dupla transformou o espaço cinza e sem vida em uma obra de arte colorida e vibrante, que hoje é considerada um ponto turístico para a comunidade local.

A iniciativa dos artistas mostra como a arte pode ser usada para transformar espaços urbanos abandonados em verdadeiras obras-primas que podem ser apreciadas por todos.

Neste artigo, vamos explorar essa história inspiradora e como a arte urbana pode ser uma ferramenta poderosa de transformação urbana.

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Incrível! Veja como um ponto de ônibus abandonado se transformou em uma obra de arte

Um ponto de ônibus abandonado na cidade de Nova Andradina, Mato Grosso do Sul, ganhou uma nova vida graças a dois artistas plásticos locais. Pai e filho, os artistas transformaram o local com uma arte impressionante e tornaram o ponto de ônibus um ponto turístico para moradores e visitantes. Acesse perfil deles aqui!

Com um pouco de tinta e muita criatividade, a dupla transformou em 2021 o ponto de ônibus abandonado em uma obra de arte colorida e vibrante. As paredes foram pintadas com desenhos de OS SIMPSONS, segundo relato do filho Eduardo: “Foi o primeiro desenho que acompanhei e virei fã do trabalho de Martim Groening”, criando um ambiente agradável e acolhedor para quem espera o ônibus.

A iniciativa dos artistas foi muito elogiada pela comunidade local e inspirou outros artistas a fazerem o mesmo em outros locais da cidade.

O ponto de ônibus abandonado agora é um exemplo de como é possível transformar espaços abandonados em obras de arte que podem ser apreciadas por todos e lugar instagramável.

Artistas plásticos pai e filho transformam ponto de ônibus abandonado em Mato Grosso do Sul

Essa iniciativa não só transforma a paisagem urbana, mas também traz um senso de orgulho e pertencimento para a comunidade local. Além disso, o trabalho dos artistas é uma forma de mostrar que a arte pode ser acessível e presente em todos os lugares, mesmo em espaços públicos como um simples ponto de ônibus.

A arte urbana é uma forma de expressão cada vez mais presente em cidades do mundo todo. Ela é uma maneira de colorir as cidades, torná-las mais agradáveis e expressar ideias e sentimentos. E a iniciativa dos artistas plásticos de Nova Andradina é um exemplo inspirador de como a arte pode ser usada para transformar a paisagem urbana e trazer mais beleza e vida para as cidades.

No entanto, é importante ressaltar que a arte urbana deve ser feita com responsabilidade e respeito às leis e normas da cidade.

Os artistas devem obter permissão dos órgãos competentes e respeitar as regras estabelecidas para a prática da arte urbana. Dessa forma, a arte pode ser uma ferramenta poderosa de transformação urbana, sem prejudicar a cidade ou a população local.

Considerações finais

Em resumo, a iniciativa dos artistas plásticos pai e filho em Nova Andradina, Mato Grosso do Sul, é um exemplo inspirador de como a arte pode ser usada para transformar espaços urbanos abandonados em obras de arte que podem ser apreciadas por todos.

A arte urbana é uma forma de expressão cada vez mais presente em cidades do mundo todo e pode ser uma ferramenta poderosa de transformação urbana, desde que seja feita com responsabilidade e respeito às leis e normas da cidade.

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Definitivamente uma “boa onda” surge com Donavon entrando com NFT e tudo no Surf Junkie Club. A grande novidade do dia é Donavon Frankenreiter com NFT no Surf Junkie Club.

Bora conferir tudo sobre essa novidade!

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Donavon Frankenreiter com NFT no Surf Junkie Club

DONAVON FRANKENREITER ENTRA PARA O SURF JUNKIE CLUB

Cantor integrará comunidade brasileira de surfistas na Web3 que usa NFTs como passaporte de acesso “naming-right” para surfistas e celebridades

Uma das maiores lendas do surf music, o cantor Donavon Frankenreiter é o novo sócio do SURF JUNKIE CLUB (SJC), projeto brasileiro que utiliza NFTs assinadas por Marcello Serpa – um dos designers mais premiados do mundo – para criar experiências exclusivas para a comunidade do surf.

Donavon está desenvolvendo junto ao time SJC um DROP de colecionáveis digitais que darão acesso à experiências e benefícios relacionados ao músico, cujos detalhes serão definidos pela comunidade do Surf Junkie Club junto ao artista após o MINT DAY – dia no qual a coleção de NFTs estará disponível para compra pelo público -, que ocorre no próximo dia 21 de março.

“A coleção de NFTs do Donavon vai ser disponibilizada em formato de DROP no SJC, inaugurando um modelo de acesso “naming-right” para surfistas profissionais e celebridades que queiram interagir e engajar com a comunidade do surf na Web3”, informa Felipe Baracchini, fundador e gerente geral do SJC.

Para celebrar a parceria e o lançamento do Surf Junkies, foi lançado essa semana nas redes sociais do músico uma animação exclusiva, desenhada manualmente por Serpa para ilustrar o hit “Move by youself”, um dos maiores clássicos do surf music. Você pode assistir aqui ao videoclipe produzido e animado com os Surf Junkies NFTs pela produtora A Criatura.

Donavon tem uma longa história com o surf. Ainda adolescente, o artista iniciou sua carreira como surfista profissional patrocinado pela Billabong, uma das marcas mais importantes do universo do surf e uma das parceiras do SJC.

A partir de 1996, passou a dedicar-se à carreira de músico profissional e desde então já lançou mais de 10 álbuns, com apresentações frequentes no Brasil, uma das suas maiores audiências.

COMO SER UM SURF JUNKIE E SE JUNTAR AO DONAVON

Para se tornar membro, os interessados devem adquirir no dia 21 de março pelo menos um “Surf Junkie”, representado por uma arte digital colecionável. São apenas 4 mil títulos, o que representa apenas 0,01% dos surfistas do mundo.

As vendas serão realizadas em duas (2) fases no site oficial do clube: a 1º fase (pré-venda) terá início às 12:00 (meio dia) com direito a live do Caio Vicentino, influenciador e youtuber no mercado de finanças descentralizadas. A pré-venda ficará aberta por 24 horas e oferece um preço fixado em US＄ 40 (aprox. R＄ 200*) + taxas, com possibilidade de comprar até dez (10) “Surf Junkies” por carteira digital, possibilitando que todos os títulos do clube possam ser vendidos nesta fase. Para aproveitar esta condição, os interessados devem ingressar na comunidade do SJC no Telegram e/ou Discord para solicitar uma vaga na ‘Lista de Prioridade’ (WL) e aumentar as suas chances de fazer parte do clube de surf dos sonhos. O prazo para inscrição na lista de prioridade encerra no domingo dia 19 de março às 22h.

Caso a coleção não seja inteira vendida na pré-venda, a segunda fase aberta ao público começa às 12:00 (meio dia) no dia 22 de março, no valor de US＄ 60 (aprox. R＄ 300*) + taxas com limite de até seis (6) “Surf Junkies” por carteira, ficando aberta até o esgotamento total da coleção.

Ao efetuar a compra utilizando moeda crypto, paga-se uma taxa de 7% para a rede Ethereum, onde as artes digitais (Surf Junkies NFTs) estão registradas. Para quem ainda não está familiarizado com o tema, o clube oferece a opção de pagamento via PIX, com uma taxa adicional de mais 5% (totalizando 12% de taxas), por se tratar de um meio de pagamento que facilita a compra de cripto ativos.

“É um meio de pagamento que vai ajudar as pessoas interessadas no Surf Junkie Club que até então não tiveram nenhum tipo de contato com o mundo de criptomoedas e NFTs. Em todas as coleções que essa solução foi oferecida, mais de 70% dos membros que compraram os NFTs não tinham nenhum contato anterior com esse mundo”, comenta Rodrigo Caggiano, diretor de desenvolvimento de novos produtos na Mobiup.

Vale lembrar que após o MINT (cunhagem) dia 21 de março, os interessados só vão conseguir comprar o Surf Junkie NFT no mercado secundário, ou seja, fazendo propostas aos membros que tenham interesse em vender o seu Surf Junkie junto com todos os benefícios e utilidades. Entretanto, isso poderá demorar muito tempo e os valores de revenda serem superiores ao do MINT, podendo custar bem caro.”

Conheça mais sobre o projeto e siga o SURF JUNKIE CLUB (SJC) nas redes sociais: Link

* Valores aproximados de acordo com a cotação da moeda no dia da compra.

ALÉM DO DONAVON, QUEM JÁ ADERIU AO SURF JUNKIE CLUB

Desenvolvido para conectar a comunidade do surf, o SJC já conta com muitos surfistas profissionais e personalidades da comunidade entre seus membros. Na turma de ondas grandes puxada por Alemão de Maresias, nomes como Carlos Burle, Rodrigo Koxa, Haroldo Ambrósio, Everaldo Pato, Michelle Des Bouillons e Ian Consenza já estão garantidos.

Na elite do surf profissional, os membros do SJC estarão ao lado de atletas como Luana Silva, Willian Cardoso (Panda), Bruno Santos, Lucas Silveira, Marco Giorgi e de promessas como Ryan Kainalo e Bela Nalu.

Isso significa que os membros do clube estarão no mesmo ambiente digital e poderão interagir com toda essa galera e muitos outros que serão anunciados em breve. O Surf Junkie Club conta ainda com a parceria de diversas marcas, como Billabong, Garmin, Pyzel, Evoke e Bullys.

COMO OS NFTs ESTÃO REVOLUCIONANDO A INDÚSTRIA DA MÚSICA

Desde a popularização dos NFTs, esta tecnologia tem se tornado uma ferramenta poderosa na interação e relacionamento de artistas com seus fãs.

Um exemplo de sucesso foi a coleção de NFTs lançada pela cantora Rihanna para a música “Bitch better have my money”, que além de entregar aos fãs uma arte única e colecionável, permite aos seus donos recolher partes dos royalties da obra, que foi cantada pela artista no show do Super Bowl.

Outro case emblemático foi a coleção “XYZ” lançada pelo rapper Snoop Dog. Além de adquirir a música, a compra de um dos NFTs da coleção permitia aos fãs interagir no mural exclusivo da obra, ter acesso prioritário a futuros lançamentos do artista e ainda concorrer a outros NFTs criados por ele.

Além de revolucionar a relação entre fãs e artistas, os NFTs têm um grande potencial dentro da indústria do entretenimento. Uma coleção pode ser criada como ingressos para festivais, por exemplo, com artes mais raras segmentado públicos, oferecendo experiências com os artistas ou conteúdos exclusivos. Eventos que ocorrem anualmente podem ainda desenvolver mecânicas de fidelização, como a queima da NFT para gerar desconto na próxima edição. Assim, além de gerar engajamento com o público, a coleção anterior se torna ainda mais rara e disputada como artigo de coleção.

Além disso, a tecnologia guarda um grande potencial na segurança financeira dos projetos. NFTs são artigos únicos e infalsificáveis, o que torna a gestão do público e a fiscalização pelos organizadores muito mais assertiva.

COLEÇÃO CRIADA POR MARCELLO SERPA

Marcello Serpa é o publicitário brasileiro mais premiado do mundo, tendo conquistado mais de 160 Leões no Festival Internacional de Cannes com a agência AlmapBBDO, da qual foi sócio, presidente e diretor de criação.

Após a sua aposentadoria do mercado publicitário, Serpa combinou suas duas grandes paixões – o design e o surf – no Surf Junkie Club. Além de sócio-fundador do projeto, Serpa assina todas as 4 mil artes digitais que servem como carteirinha de acesso ao clube.

São ilustrações únicas, com valor artístico intrínseco e grande potencial de valorização que, além de permitir ao sócio usufruir das experiências mais exclusivas da comunidade do surf, pode ser comercializada e rentabilizada exclusivamente por seu proprietário.

“Juntar arte e surf num só projeto me fascinou desde o princípio, afinal sou um arte/surf Junkie desde menino. Juntas para formar uma comunidade, um clube onde pessoas que dividem a mesma paixão podem viver e dividir experiências é uma ideia tão atual como maravilhosa”, afirmou Serpa.

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Um funcionário exemplar: Guest Relations do recém-inaugurado Hotel Laghetto Stilo São Paulo surpreende os hóspedes com mimos personalizados
Unindo talento, cuidado e arte, o paulista Victor Gradwool (33) coleciona relatos emocionantes de turistas de todos os cantos do país

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As ‘’profissões do futuro’’ vão exigir, cada vez mais, aptidões relacionadas a emoções, resiliência e afeto. É o que os especialistas afirmam. Quem imaginaria que uma reserva de hotel poderia proporcionar um sentimento de acolhimento, talvez, inesquecível? É assim que a história do paulista Victor Gradwool, guest relations do Hotel Laghetto Stilo São Paulo, começa por lá.

O empreendimento gaúcho aterrissou em solo paulista recentemente, trazendo um mix que une o seu DNA de excelência em atendimento, cultura japonesa e o estilo cosmopolita de São Paulo. Mas, a única coisa que não estava nos planos do empreendimento, era acertar em cheio em um funcionário com olhar sutil e atitudes extremamente humanas.

O jovem, de apenas 33 anos, prepara pinturas feitas à mão, minimalistas e cheia de riquezas de detalhes da vida de cada cliente selecionado. Além, é claro, de mimos que acompanham as obras, como os chocolates artesanais feitos no sul do Brasil, já que o Hotel é gaúcho. A arte personalizada, é feita e deixada em cada quarto, para surpreender o hóspede.

O gesto dele não foi planejado, mas está fazendo muito sucesso. Já existem registros que alguns clientes ao fazerem o check-in, pediram um desenho para levar de recordação. O ato genuíno do paulista está ganhando fama.
‘’De fato, estou desempenhando um cargo que eu sempre quis, e aqui no Hotel eu consegui essa oportunidade.

A missão e a essência Laghetto fala em “paixão em servir” e essa conduta casou perfeitamente com a minha ideia de personalizar ainda mais as hospedagens, e sair de um atendimento clichê, ir além mesmo. Cada carta pintada a mão é exclusiva e muito pessoal, e isso proporciona uma memória, um gosto, uma paixão, uma viagem, entre outras milhares de lembranças para cada pessoa.

A vontade de pintar (algo que nunca fiz na vida) surgiu no período natalino, quando eu vi uns desenhos lindos de aquarela, e então pensei, por que não os personalizar para os hóspedes que estão viajando nesse período? Que por sinal casa muito bem com a temporada mais familiar e íntima’’, detalha Victor Gradwool.

Em um dos casos, ele soube que uma das hóspedes, uma arquiteta, era apaixonada por flores e balé, então uniu os dois em uma arte exclusiva e sutil, representando a gentileza e a doçura da combinação, que ainda contou com um tartelete (foto abaixo).

O caso mais recente foi emocionante. Uma cliente veio a São Paulo para curtir o show do Coldplay, e muito fã da banda, ela relatou, ao retornar ao hotel, que estava triste porque não conseguiu gravar sua música favorita durante o show — já que estava muito emocionada e nem se lembrou de registrar. Rapidamente, Victor agiu. Foi ao quarto dela e colocou na TV a música mencionada no modo “ao vivo”, com dois cupcakes e uma cartinha.
‘’Neste caso, da fã do Coldplay, foi muito emocionante para todos nós. Ela chorava muito e agradecia o cuidado que tivemos com ela. E ainda disse que nunca esqueceria aquele ato, e que isso fechou a viagem dela com chave de ouro’’, revela Victor.

Agora, a frente da parte de relacionamento do hotel, Victor pretende sempre inovar para fazer jus a sua dedicação com atendimento ao público, já que, de quebra, revelou-se um grande artista.

O ato de guest relation, sem querer, teve total conexão com a proposta artsy do hotel, que valoriza e possui artes (de todos os tipos) espalhadas por todos os cantos do prédio.
Confira algumas personalizações criadas por Victor Gradwool.

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fonte: hochmuller

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O MASP — Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresenta, de 24 de março até 4 de junho de 2023, a mostra MAHKU: Mirações, que ocupa o espaço expositivo no 2o subsolo do museu. Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, Guilherme Giufrida, curador assistente, MASP e Ibã Huni Kuin, curador convidado, a exposição reúne cerca de 120 pinturas e desenhos que se originam tanto de traduções e registros de cantos, mitos e histórias de sua ancestralidade. Bem como de experiências visuais geradas pelos rituais de nixi pae — que envolvem a ingestão de ayahuasca — denominadas mirações, palavra que dá título à exposição no MASP. A mostra tem patrocínio master do Citibank.
 

História do MASP.

Criado oficialmente em março de 2013, dez anos antes da abertura da exposição no MASP, o surgimento doMovimento dos Artistas Huni Kuin (MAHKU) remonta ao final da década de 2000. Ou seja, quando o coletivo iniciou, nos cursos de Licenciatura Indígena na Universidade Federal do Acre (UFC).

Além disso, seus trabalhos de tradução de cantos tradicionais do povo indígena Huni Kuin (Acre) em desenhos figurativos. Os primeiros registros do coletivo surgem, portanto, a partir do contato de populações indígenas aldeadas com a universidade, onde o grupo realizou sua primeira exposição, em 2011.

No ano seguinte, após a visita do antropólogo Bruce Albert e do curador Hervé Chandès, os integrantes participam pela primeira vez de uma mostra de arte contemporânea, a exposição Histoires de voir, Show and Tell [Histórias para enxergar, ver e contar] na Fondation Cartier pour l’art contemporain, em Paris, com um desenho ilustrando a capa do respectivo catálogo. A partir do movimento de introdução da sua visualidade ao universo das exposições de arte, os Huni Kuin se apropriam disso como estratégia de sobrevivência coletiva, de extensão de suas histórias e de seus mitos.
 

MASP apresenta: a maior exposição o Coletivo Indígena Mahku.

A exposição MAHKU: Mirações reúne cerca de 120 pinturas e desenhos em papel e tela, sendo três delas produzidas para a mostra, comissionadas pelo museu. Além de esculturas, áudios com cantos, vídeo documentário e uma pintura de grandes dimensões elaborada diretamente nas laterais da icônica escada/rampa vermelha que interliga o 1° ao 2° subsolo do museu, seguindo, assim, a tradição do coletivo de realizar uma intervenção artística nos espaços expositivos que ocupam, criando uma conexão física e espacial entre mundos.
 

“O sentido geral do grupo MAHKU parece ser criar caminhos sustentáveis, desenvolvendo a política de se associar para se fortalecer. Isto é, interessa-lhes produzir e facilitar a passagem entre mundos, sempre sob o risco e a consciência das distâncias e assimetrias, que podem ser controladas e guiadas pelo poder da contação, pelos cantos, pelas imagens que produzem, pelo sentido ético da sobrevivência de seus modos de existência”, reflete o curador Guilherme Giufrida.
 

Este diálogo entre diferentes culturas é um dos temas centrais de algumas das obras do coletivo, especialmente aquelas inspiradas no mito de kapewë pukeni, o jacaré-ponte, traduzido, por exemplo, na pintura Kopenawe pukenibu(2022), de Acelino Tuin Huni Kuin.

Outrossim, o mito narra a história da passagem dos Huni Kuin pelos dois continentes, através do estreito de Behring, em busca de sementes, moradia, conhecimento e terra. Depois de muita caminhada, o grupo se depara com um jacaré que, em troca de alimento, oferece ajuda para que eles possam atravessar para o outro lado

O animal, avesso ao canibalismo, pede que o povo não mate um jacaré pequeno e que não lhe dê um deles para comer. No entanto, quando a variedade de animais se torna escassa, os Huni Kuin caçam o jacaré menor, traindo a confiança do jacaré grande, que submerge.

“Foi aí que se fundaram as línguas diferentes entre parentes do outro lado do mundo. O mundo sempre divisão. Quem atravessa o mundo é quem já conquistou os conhecimentos. Por isso que a música do jacaré cantamos em nossas reuniões, para abrir os caminhos”, explica o curador convidado Ibã Huni Kuin.

Por essa razão, a figura do animal foi escolhida pelo coletivo para ilustrar o logotipo original do MAHKU. Ou seja, nele o jacaré aparece com duas patas caminhando e alimentando-se, enquanto pessoas munidas de estilingues e flechas passam sobre suas costas. Trata-se de uma cena fundacional que sugere que os Huni Kuin são produtores e produtos de pontes — entre os mundos indígena e não indígena, entre o visível e o invisível. 

Outro ser muito importante para os Huni Kuin é a jiboia, considerada a maior dos xamãs, mensageira e ser da transformação. Normalmente o animal está presente em suas pinturas, circundando as composições, seja de forma a perambular pela imagem, seja literalmente em suas bordas, acompanhando os ângulos perpendiculares do quadro ou em formas geometrizadas estilizadas.
 

A jiboia é a figura central no mito de surgimento de nixi pae, “a bebida sagrada”, representada na tela do acervo do MASP Yube Inu Yube Shanu [Mito do surgimento da bebida sagrada Nixi Pae] (2020). O mito narra o encontro de Yube Inu, um homem indígena, com Yube Shanu, a mulher-jiboia, e a acolhida do povo da jiboia a Yube Inu, que é introduzido ao ritual de nixi pae.

Ele ingere a bebida sagrada, experiencia as mirações e, mais tarde, aprende a fazê-la e entra em contato com as músicas da serpente. Por um momento de ciúme de seu sogro, devido ao seu conhecimento adquirido, Yube Inu é mordido e acaba adoecendo, mas, antes de morrer, retorna ao seu povo de origem e ensina a receita da bebida.
 

No ritual de nixi pae realizado pelos Huni Kuin e traduzido como “cipó forte”, “embriagante” ou “fio encantado”, se institui a experiência de encontro com a jiboia. Trata-se de um ritual central na vida desse povo, que envolve toda a comunidade — desde crianças de 6 anos de idade até adultos e idosos. As mirações, experiências visionárias que aparecem durante os rituais, são traduzidas tanto nos desenhos e pinturas do coletivo quanto nos cantos que integram o cotidiano da aldeia Chico Curumim, na Terra Indígena Kaxinawá, do Rio Jordão, onde vivem os artistas do MAHKU. 

“O ritual de nixi pae tem como objetivo principal conectar mundos, rememorar a todos daquela relação dos Huni Kuin com a jiboia, renovar a intimidade do encontro e relembrar as razões do desencontro narradas no mito”, reflete Guilherme Giufrida.

“Evocada através do canto, pela bebida e pela própria miração, a jiboia guia as visões por seus caminhos e percepções, fazendo os humanos atravessarem para o seu mundo, para o próprio universo dos mitos. O objetivo, no limite, parece ser o de estudar e ensinar os mitos, fazer as histórias do povo sobreviverem, se estenderem e se transformarem, preservando a integridade e o enraizamento daquela sociedade”, finaliza.
 

A mostra no MASP pretende, portanto, ampliar o conhecimento sobre e com os Huni Kuin. Assim como a compreensão da contribuição de sua obra para a arte contemporânea, além de celebrar a longa relação de trabalho entre o coletivo e o museu. Outrossim, desde 2016, os artistas do MAHKU participam de exposições do MASP, o que é constatado na grande quantidade de obras de diferentes períodos de sua produção comissionadas e depois doadas ao acervo do museu.

Os artistas já participaram das exposições Avenida Paulista (2017), Histórias da dança (2020) e Histórias brasileiras(2022), além de uma oficina em Histórias da infância (2017) e dos projetos MASP Renner 1a temporada (2018-2019) e MASP Afterall ArtSchool (2020).
 

MAHKU: Mirações integra a programação anual do MASP dedicada às Histórias indígenas. Este ano, a programação também inclui mostras de Carmézia Emiliano, Paul Gauguin, Sheroanawe Hakihiiwe, Melissa Cody, além do comodato MASP Landmann de cerâmicas e metais pré-colombianos e a grande coletiva Histórias indígenas.

SOBRE O MAHKU.

O Movimento dos Artistas Huni Kuin (MAHKU) foi lançado oficialmente em 2013 e é composto pelos artistas Ibã Huni Kuin, Bane Huni Kuin, Mana Huni Kuin, Acelino Tuin e Kássia Borges. O coletivo realizou as exposições individuais Yube Inu, Yube Shanu, na Piero Atchugarry Gallery, no Uruguai (2022); Cantos da imagem, na Casa de Cultura do Parque, em São Paulo (2022); Vende tela, compra terra, na SBC Galerie d’Art Contemporain, no Canadá (2022); Através da poética do MAHKU, na Galeria de Arte da Universidade Federal do Amazonas, em Manaus (2018); e O espírito da floresta — desenhando os cantos nixi pae, no Sesc Rio Branco (2011).

Participou de mostras coletivas como:

• Histórias brasileiras, no MASP (2022);
• Moquém Surarî: arte indígena contemporânea, no MAM-SP (2021);
• IMS quarentena: programa convida, em exposição virtual no Instituto Moreira Salles (2021);
• Véxoa: Nós sabemos, na Pinacoteca do Estado de São Paulo (2020);
• Histórias da dança, exposição virtual no MASP (2020);
• Vaivém, no Centro Cultural Banco do Brasil (2019);
• Eldorado, no Maison Folie Moulins, na França (2020);
• 35º Panorama de Arte Brasileira: Brasil por multiplicação, no MAM-SP (2017);
• Avenida Paulista, no MASP (2017);
• Aru Kuxipa/ Sagrado segredo, no Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, na Áustria (2015);
• Histórias mestiças, no Instituto Tomie Ohtake (2014);
• Histoires de voir, no Fondation Cartier pour l’art contemporain, na França (2012). 

Suas obras fazem parte de coleções do MASP, MAR, da Fundação Cartier por L’art contemporain, da Pinacoteca do Estado de São Paulo, entre outras.

CATÁLOGO.

Na ocasião da mostra, será publicado um catálogo bilíngue com ensaios comissionados especialmente para a ocasião. Além de reproduções de trabalhos produzidos pelo grupo e traduções de mitos e cantos Huni Kuin. Outrossim, o livro, organizado por Adriano Pedrosa e Guilherme Giufrida, inclui textos de Daniel Revillion Dinato, Guilherme Giufrida, Ibã Huni Kuin, Naine Terena e Raphael Fonseca. Com design de Bloco Gráfico, a publicação tem edição em capa dura.
 

SERVIÇO.

MAHKU: Miraçõe
Curadoria: Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP; Guilherme Giufrida, curador assistente, MASP; e Ibã Huni Kuin, curador convidado.
2o subsolo
24.3 — 4.6.2023
MASP — Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand
Avenida Paulista, 1578 — Bela Vista
01310-200 São Paulo, SP
Telefone: (11) 3149-5959
Horários: terça grátis, das 10h às 20h (entrada até as 19h); quarta a domingo, das 10h às 18h (entrada até as 17h); fechado às segundas

Agendamento on-line obrigatório pelo link MASP Ingressos

Ingressos: R＄ 60 (entrada); R＄ 30 (meia-entrada)

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Mastercard lança novos episódios para sua web série exclusiva sobre expedição à Amazônia

Viagem à região Norte do País serviu como pesquisa de campo para a concepção da atual temporada gastronômica do Espaço Priceless; novo menu do chef Onildo Rocha e ambientação foram concebidos junto a chefs e artistas locais

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Mastercard manifesta carinho pela Amazônia

Está disponível no canal do Youtube da Mastercard a websérie sobre a expedição à Amazônia que originou a segunda temporada gastronômica do Espaço Priceless, no centro de São Paulo. Ao todo, a produção, que percorreu os estados do Amazonas, Pará e Rondônia, apresenta cinco episódios. Além do jambu, serão abordados as ostras de Salinópolis (PA), o cogumelo amazônico de Augusto Corrêa (PA), a culinária indígena do Núcleo Indígena Cipiá de Manaus (AM) e o café robusta de Cacoal (RO).

O primeiro episódio, dividido em três partes, acompanha dois embaixadores do Priceless, o chef paraibano Onildo Rocha e o mixologista Ale D’Agostino, em uma pesquisa sobre o jambu, no Mercado Ver-o-Peso em Belém (PA), com as participações especiais de Eliana Ferreira, do Restaurante Mercado Ver-o-Peso, e Tatiana Sinimbu, empresária do Jambu Sinimbu.

A expedição

Entre os meses de junho e agosto de 2022, a equipe de embaixadores do Espaço Priceless composta pelo chef Onildo Rocha, Alê D’Agostino, mixologista, Junior Bottura, especialista em cervejas, e Boram Um, barista, realizou viagens até os estados do Amazonas, Pará e Rondônia para estudar a culinária, cultura e tradições da região amazônica. Ao longo dos episódios, Onildo Rocha convida o público a conhecer um pouco mais da gastronomia e dos hábitos locais.

“A websérie surge do desejo de fazer o consumidor embarcar conosco no processo de criação de cada temporada do Espaço Priceless, complexo gastronômico e cultural da Mastercard. Levar a Amazônia para a casa dos brasileiros e provocar reflexões sobre a importância desse bioma essencial ao nosso planeta não tem preço”, explica Sarah Buchwitz, vice-presidente de Marketing e Comunicação da Mastercard Brasil.

“As expedições têm um papel muito importante; é a partir delas que aprofundamos nosso contato com o lugar, descobrimos novos ingredientes, a forma de usá-los e seu valor. Para onde se olha existe vida, cores, texturas e sabores. Porém, o mais importante é estar com os pequenos produtores, chefs, cozinheiros e com a comunidade da região, para conhecer, respeitar e nos encantar ainda mais com as histórias e os saberes de quem estaremos representando, o que traz uma verdade singular para essa fase do Priceless”, comenta Rocha.

Sobre o Espaço Priceless Mastercard

O Espaço Priceless é um ambiente gastronômico e cultural da Mastercard que contempla o Notiê Restaurante e o Abaru Bar e Restaurante, assinados pelo Chef Onildo Rocha.

Em 2022, o Espaço Priceless venceu duas categorias do prêmio Comer e Beber da revista Veja São Paulo em 2022, sendo elas “Chef do Ano”, para o chef Onildo Rocha, e “Melhor Restaurante Brasileiro” para o Notiê. Localizado no terraço do edifício do Shopping Light, no centro histórico de São Paulo, o Notiê Restaurante apresenta menu degustação de 5 e 10 tempos.

Já o Abaru Bar e Restaurante funciona todos os dias a partir do meio dia, oferecendo ao público almoço, café da tarde e um bar para happy hour com drinks e cervejas exclusivas.

Viva experiências múltiplas e vibrantes ligadas à gastronomia, além de arte, cultura e tecnologia.

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